波士顿美术博物馆（Museum of Fine Arts 波士顿），位于美国波士顿亨廷顿大街，是世界馆藏品最全面的炎黄艺术馆之一。

1870年，哈佛大学波士顿图书馆和麻省理工学院为展出其收藏的艺术品而倡议筹建了这座博物馆。1876年7月4日，美国建国100周年纪念日，波士顿美术博物馆正式于科普利广场开馆。随着参观人数和藏品数目的不断增长，1909年5月博物馆决定闭馆加以休整。1909年11月15日，波士顿美术博物馆新馆建成并对外开放，这座博物馆由建筑师盖伊-洛厄尔设计，位于被称为“艺术大道”的亨廷顿大道上，博物馆具有新古典主义风格。1981年，由著名建筑师贝聿铭设计的主楼西翼落成并开放。

波士顿美术博物馆展馆众多，展品丰富，馆藏品数目达到近50万件，馆藏文物以印象派画作与来自亚洲的艺术品为特色。亚洲馆藏超过十万件，种类包括绘画、版画、雕塑、瓷器、金属器等，来自日本、中原地区、韩国、南亚、东南亚以及伊斯兰世界。并且，馆内藏有多幅克劳德·莫奈画作，数量仅次于法国。馆内其他绘画藏品也十分丰富，有格列柯、委拉斯贵兹、提香·韦切利奥、丁托莱托、罗梭、伦勃朗·范赖恩、彼得·鲁本斯、尼古拉斯·普桑、夏尔丹、居斯塔夫·库尔贝、爱德华·马奈、埃德加·德加、让·华多、雷诺阿、保罗·塞尚的作品。

波士顿美术博物馆还开展多项社会教育活动，针对不同人群设有“成人工作室艺术课程”“青少年工作室艺术课程”“儿童工作室艺术班”等课程。博物馆发展至今，每年迎接超过100万游客。

1870年，哈佛大学波士顿图书馆和麻省理工学院为展出其收藏的艺术品而倡议筹建了波士顿美术博物馆。为了更好的呈现这些艺术藏品，也为了给图书馆腾出空间，图书馆的股东们决定在科普利广场建造一座用于陈列艺术的的独立馆设。

1870年2月4日，波士顿建立美术馆的决议在州议会通过，得到当地文化界和收藏家的支持：哈佛大学为其提供了铜版画收藏；麻省理工学院捐赠了与建筑有关的石膏模型；波士顿图书馆则负责绘画、雕刻及其他作品；市政当局运来了著名的历史肖像画。这些构成了波士顿美术博物馆最初的馆藏。

1876年7月4日，美国建国100周年之际，波士顿美术博物馆正式于科普利广场开馆。博物馆由约翰·斯特吉斯与查尔斯·布里格姆两位建筑师共同完成，是一座造型简单、以粘土实心砖和赤陶搭建而成的新哥特风格的建筑。当时的博物馆仅有5600件艺术品，在接下来的几年中，因参观人数和藏品数目的不断增长，1909年5月博物馆决定闭馆加以休整。

1909年11月15日，波士顿美术博物馆新馆建成并对外开放，这座博物馆由建筑师盖伊-洛厄尔设计，位于被称为“艺术大道”的亨廷顿大道上，博物馆具有新古典主义风格。1921年至1925年，美国画家约翰·萨金特受聘为该建筑的圆形大厅和柱廊（如今被命名为露丝和卡尔·夏皮罗圆形大厅）绘制壁画。

1927年，波士顿美术博物馆设立附属艺术学校，名为“波士顿美术博物馆学院”（现名塔夫茨大学美术馆学院）同年9月，该学院搬进了由盖·洛厄尔设计的新楼，该建筑由格雷厄姆建筑师于1987年进行了装修和扩建。1979年，波士顿美术博物馆在波士顿市中心法纳尔大厦商场设立了分馆。

20世纪80年代，博物馆设施老旧，进行了翻新扩建，1981年由著名建筑师贝聿铭设计的主楼西翼落成并开放。

1999年5月起，为了能够容纳更多的馆藏品并给予它们更好的保护，波士顿美术博物馆开始计划重建及扩张博物馆。2010年美洲艺术区开幕，从古代到现代展现四个层次的美国艺术。2011年，博物馆的西翼成为林德家族当代艺术翼楼，并开设了新的当代艺术展厅以及社交和学习空间。

2015年4月，博物馆的室外日式庭院天心园在历经了为期一年的保护和翻新工作后重新开放。在这些翻新工程中，现有的灌木被大幅修剪，并按照花园的原始设计种植了新的植被。铺装、灌溉、排水和照明系统都得到了更新；庭园的花岗石木板平台被重新安置；从北卡罗来纳州运来了一卡车的新花岗岩砾石，分布在整个庭园。翻新工程的重点是更换了原本的冠木门（kabukimon），采用了更为简单的创新设计，将大门的预期寿命延长25年甚至更久。

2020年，适逢波士顿美术博物馆建馆150周年，2月4日，博物馆举办了150周年庆典活动。3月12日下午6点，博物馆由于疫情影响，正式闭馆，并于9月26日，重新对外开放。2020年末，由于COVID-19确诊病例在波士顿和美国范围内持续上升，为控制疫情蔓延，博物馆于12月16日起再次闭馆，于2021年2月3日正式重新开馆。

波士顿美术博物馆位于美国波士顿亨廷顿大街465号，1909年建成的博物馆以波士顿建筑师盖伊-洛厄尔设想的“布杂艺术”计划为基础进行设计，整体造型为一座灰色花岗石建造的新古典建筑，建筑物的中轴线朝向亨廷顿艺术大道。1981年，华裔建筑师贝聿铭承担了美术馆西翼扩建的工作，西翼建筑被设计为一个循环空间，游客们可以顺着一条路完成整个博物馆的游览，还加入了餐厅、讲堂等社交空间，改造后馆内拥有了更明亮的光线和更合理的参观空间。

波士顿美术博物馆展馆众多，展品丰富，馆内设有美国装饰艺术和雕塑、亚洲艺术、古典艺术、埃及和古代近东艺术、欧洲装饰艺术和雕塑、绘画艺术、印刷、素描和照片、纺织、20世纪艺术九个部门二百多个展室。馆内的展品有按地理位置分布的，也有按展品类别分布的。从地理位置上分，有亚洲馆、非洲馆、美洲馆、欧洲馆等；按展品类别分，有古典艺术、乐器、当代艺术、欧洲绘画等。

博物馆美洲艺术翼楼共有三层，从古代到现代展现四个层次的美国艺术。林德家族当代艺术翼楼位于博物馆西翼，是当代艺术展厅以及社交和学习空间。中原地区艺术品陈列于博物馆二楼的亚洲翼，展品排布集中于“两个雕塑厅（内含佛教与墓葬雕塑、石刻），一个上古文化走廊（包括青铜器、软陶泥与高古玉），一个宋元展厅（包括宋代及少数元代的绘画、陶瓷、雕塑和漆器），以及一条展陈有从六朝至清代陶瓷器的走廊。

该展览位于美洲艺术翼楼，汇集了来自不同文化和国家的艺术家在北美、中美洲、南美洲和加勒比地区创作的数百件作品。展品跨越3000年，从中美洲的古代文明到墨西哥城和纽约的现代艺术之都，体现了人类通过艺术和工艺创造意义和美的基本愿望。展览包括“古代美洲”“北美本土艺术”““革命前夕的波士顿和新国家”“全球主义”“约翰·萨金特”“19世纪海外的美国艺术家”“美国的工艺美术”等主题展览。

“古代美洲”，“北美原住民艺术”和“17世纪艺术”位于美洲艺术翼楼地下一层。古代美洲画廊（LG32和LG33画廊）展示了来自欧洲接触之前在北美、中美洲和南美洲蓬勃发展的三十多种文化的陶瓷、纺织品和金属制品，包括经典玛雅陶器的重要作品。相邻的画廊以新英格兰最早的欧洲定居者的船模型和装饰艺术和绘画为特色，讲述了殖民和艺术创作的交集。北美原住民艺术画廊（LG34画廊）展出的物品代表了土著文化交流和复原力的经验。

“18世纪艺术”位于美洲艺术翼楼一层，展览收藏了包括保罗·列维尔（Paul Revere）的《自由之子碗》（1768年），约翰·科普利（John Singleton Copley）为著名的波士顿革命者画的肖像，以及科普利离开波士顿定居伦敦后绘制的形象，沃森和鲨鱼（1778年）。展览陈列的红木家具、银制茶具和其他奢侈品展示了殖民者如何依赖国际趋势、全球贸易和被奴役劳工的工作，即使他们为脱离女王陛下政府的独立而战。在132展厅，“翻译美国故事”以多种语言呈现解释性文本，以便更好地讲述关于美洲艺术的多样化国际故事，并欢迎来自不同背景的参观者。拉丁美洲殖民地画廊（135展厅）突出了墨西哥卡斯塔绘画和礼仪物品，以及米格尔·卡布雷拉（Miguel Cabrera）的重要肖像，提供了对殖民生活和艺术的不同叙述，既具有压迫性，又具有变革性。

“19世纪艺术”位于美洲艺术翼楼二层，展示了19世纪美国特有的广泛的跨文化影响。展览探索以民族主义和世界主义为主题的绘画、雕塑和装饰艺术；包含了玛丽·卡萨特、温斯洛·霍默、托马斯·伊金斯、亨利·奥萨瓦·坦纳、约翰·拉法基、路易斯·C·蒂芙尼、哈里特·霍斯默、菲茨·亨利·莱恩和约翰·萨金特等特色艺术家的画作。

该展览位于乔治和玛格贝赫拉基斯（George D. and Margo Behrakis）翼楼二层，以希腊和罗马艺术为主题，共展出500多件波士顿美术博物馆收藏的最古老的作品，通过过去的艺术反映了当下的时代。展览以自然光、创新型展示、互动式体验以及对古希腊神庙和拜占庭教堂的沉浸式呈现，是观众了解这些古代文化的遗产，并理解它们在今天的意义。展览包括“早期希腊艺术”“诸神与女神”“荷马与史诗”“古代钱币”“古希腊的日常生活”“戏剧与表演”“狄俄尼索斯与酒会”等主题展览。

“早期希腊艺术”位于乔治和玛格贝赫拉基斯（George D. and Margo Behrakis）翼楼二层213展厅，展览按时间顺序进行探索，介绍了早期希腊艺术（从公元前10世纪末开始到波希战争，即公元前479年）的情况，展示了古典时期的成就是如何根植于这些充满创新的早期时期。展览以特定城邦和地区的重点物品为分组依据，以及带有艺术作品的地图，揭示了在这一时期希腊人在通过贸易和移民扩张时遇到的长期存在的当地新思想、新技术之间的关系。

该展览的展品包括希腊古典时代的骑着马的亚马逊人形状的来通（酒器）、希腊古风时代的赫拉克勒斯射弓的雕像、希腊几何时代晚期或东方化时代早期的钟形女俑等。

“诸神与女神”位于乔治和玛格贝赫拉基斯（George D. and Margo Behrakis）翼楼二层207展厅，展览以“神话”主题介绍古希腊和古罗马艺术，分组探讨了诸神的不同个性和复杂的领域，以及对古希腊和古罗马的人们的生活和信仰非常重要的宗教实践和神话。展览以古希腊神庙的形式呈现，馆藏可以追溯到公元前6世纪到公元3世纪。

该展览的展品包括罗马帝国早期的朱诺像、罗马帝国时期的雅典娜·帕蒂诺斯雕像等。

“荷马与史诗”位于乔治和玛格贝赫拉基斯（George D. and Margo Behrakis）翼楼二层215A展厅，展示了波士顿美术博物馆闻名于世界的艺术品收藏，其中有许多展现了特洛伊诗系（史诗集群是古希腊史诗的集合，在长短格六步格组成和相关的特洛伊战争的故事）中的独特场景。

该展览的展品包括约公元前470-460年的带有特洛伊遗址陷落场景的混合碗（花萼壶）、古希腊或古罗马的波吕斐摩斯头像、罗马共和国晚期或帝国时期的荷马像等。

“古代钱币”位于乔治和玛格贝赫拉基斯（George D. and Margo Behrakis）翼楼二层212C展厅，展览从博物馆收藏的约7500枚古钱币中选取，以时间和主题为线索，展现了古钱币作为微型艺术品的复杂、美丽的特性，同时也探索了它们所体现的文化和政治历史，展览将雕塑、花瓶和其他艺术品在画廊中与古钱币一起展出。

“古希腊的日常生活”位于乔治和玛格贝赫拉基斯（George D. and Margo Behrakis）翼楼二层212A-B展厅，展览介绍了古希腊社会日常生活的复杂性，展出的250件文物围绕着妇女和家庭、运动员和战士、哀悼和纪念、以及工业和交换等主题展开。这些物品包括艺术品和日常用品，包括精雕细琢的大理石浮雕以及骨质子、铜质鱼钩。

“戏剧与表演”位于乔治和玛格贝赫拉基斯（George D. and Margo Behrakis）翼楼二层215C展厅，展示了描绘戏剧场景和演员的稀有收藏，展厅中的花瓶上画着埃斯库罗斯、索福克勒斯和欧里庇得斯（三位古希腊的悲剧诗人）的悲剧场景，以及喜剧作家米南德的大理石肖像。

“狄俄尼索斯与酒会”位于乔治和玛格贝赫拉基斯（George D. and Margo Behrakis）翼楼二层215B展厅，展览将参观者带入了一个时代：在这个时代，客人们在酒会中躺倒在长榻上。罐子、杯子和搅拌碗上的画面可能展示了酒会上交谈的内容：英雄的过去、一天的戏剧生活，当然还有神——特别是狄俄尼索斯，他的形象和精神充斥在各种形式的饮酒和欢愉。

该展览的展品包括罗马帝国时期的苏格拉底的头像、希腊古典时代或希腊化时代的狄俄尼索斯头像。

该展览位于荷兰和弗拉芒艺术展厅，采用最新的研究方法来探索尼德兰联省共和国和佛兰德斯的艺术、商业和科学之间的联系。展出了包括伦勃朗·范赖恩、彼得·鲁本斯、格里特·道、弗兰斯·哈尔斯和安东尼·戴克等大师的近100幅作品，以及纸上作品和装饰艺术，如银器和代尔夫特陶瓷，呈现丰富的视觉文化。展览包括“荷兰特色”“南方和北方”“流亡时的创造力”“全球商业”主题展览。

“荷兰特色”位于244展厅，展览入口处为北美境内最伟大的早期尼德兰绘画——罗吉尔·凡·德尔·维登的《圣路加绘圣母像》（约1435年-1440年）。“荷兰特色”展出了艺术家的自画像和他们的工作室、花卉静物、建筑绘画、头部研究（在荷兰称为"tronies"，即展现人物表情的人像画）和肖像，以及格里特·道、弗朗斯·范·米里斯和杰拉德·特·博赫等人对纹理的精心描绘。

该展览的展品有玛丽亚·沙尔肯的《艺术家在工作室的自画像》（约1680年）、蕾切尔·鲁伊斯的《花卉静物》（1709年），以及犹太艺术品，如世界上已知最古老的荷兰托拉顶饰，还有精美的陶瓷器和一些奖章。

“南方和北方”位于242展厅。荷兰独立战争（1568-1648）将荷兰分裂成两块领土：南部是由西班牙统治的、信仰天主教的西属尼德兰，北部是独立的、主要信仰新教的尼德兰联省共和国。“南方和北方”展览探讨了在这两个地区出现的不同的艺术风格。展览的中心是荷兰东印度公司当时的船只模型，即1717年首次启航的瓦尔肯斯（Valkenisse）号。它是当时荷兰最大的船只之一，运送白银和散装货物到亚洲，然后带着奢侈品返回欧洲，通过往返贸易销售获得巨大利润。它是仅有的几艘幸存的荷兰东印度公司时期的船只模型之一，也是美国的博物馆收藏的唯一一艘此时期的船只模型。

该展览的展品包括19岁的安东尼·戴克画的《伊卡洛斯与代达罗斯的自画像》（约1618年）、彼得·鲁本斯的《穆雷·艾哈迈德》（约1609年），以及包括《艾尔捷·乌伦堡的肖像》（1632年）在内的三幅伦勃朗·范赖恩创作的肖像画。

“流亡时的创造力”位于247展厅，展览的焦点为杰拉德·范·洪索斯特的巨型画作《冬日女王的胜利：正义的寓言》（1636年），尺寸为10x15英尺。这幅画作部分是寓言，部分是全家福，由前波西米亚女王伊丽莎白·斯图亚特在1620年被流放到荷兰很久之后委托艺术家创作。

“全球商业”位于243展厅，展出展出的一系列作品，可以让人们探查到荷兰从北海延伸到印度洋和日本海的贸易网络。画作包括小威廉·凡·德·维尔德和卢多尔夫·巴克赫伊森的海景画，以及描绘各种本地和进口商品的静物画，包括安特卫普生产的珍贵玻璃器皿和来自中国的青花瓷，制图家琼·布劳的三卷《大地图》阐述了地图学与资本主义的关系。

“克劳德·莫奈画廊”位于252展厅，博物馆在1906年获得了第一批莫奈的作品，并在1911年对其作品进行了首次专场展示，馆藏莫奈画作达35幅油画作品，是除法国以外拥有莫奈画作最多的博物馆之一，展品时间跨越莫奈整个创作生涯，从1860年代的早期作品，到莫奈后期的印象派作品《干草垛》《鲁昂大教堂》系列。

“中国宋代”位于博物馆二楼亚洲翼274展厅，该展览探索了中国文化的黄金时代，并展示了馆藏宝藏，包括宋代（960-1279）的陶瓷，绘画，书法和雕塑杰作，展现繁荣而充满活力的宋朝，被视为中国文化和美学的巅峰之作。展览的核心是彩绘木雕《观音菩萨》，在2016年重新展出之前，它经历了一年半的保护项目。展览整体是一个沉思的空间，唤起宋代美学的内敛优雅。还陈列了罕见而精致的淡蓝色如瓷器——世界上现存的不到一百件的北宋宫廷的官方皇家陶瓷，以及艺术家周治于1356年绘制的著名的宜兴市风景卷轴。

“南亚和东南亚艺术”位于176展厅，展览通过雕塑和装饰艺术反映了印度和周边南亚国家巴基斯坦，尼泊尔和斯里兰卡以及东南亚（包括印度尼西亚，柬埔寨，缅甸，泰国和越南）的复杂艺术传统。该展览强调了两个地理区域之间的文化交流如何在两千年的过程中塑造了艺术发展。展览于2011年12月开放。

天心园（Tenshin-en）于1988年10月投入使用，是博物馆内一个充满哲思的日本庭园。园林以波士顿美术博物馆的中国·日本美术部部长冈仓天心（又名冈仓天心）命名，他从1904年开始在波士顿美术博物馆工作，直到1913年去世。

天心园是一个具有典型枯山水风格的观赏式庭园，设计者是来自京都的中根金作教授。枯山水庭园是通过形成瀑布、山脉、岛屿和海洋等各种景观元素的形状来暗示大自然的壮丽景色，庭园在严格有限的空间内以微型形式表达了大自然的广阔。天心园内有200多块石头，包括一个干涸的瀑布，代表须弥山的高大石头，以及两个神秘的岛屿：龟岛和鹤岛。园内还种植了70多种来自美国和日本的植物，共有1750个种类，为景观提供了丰富色彩和纹理。中国樱桃、日本枫树和松树象征着季节的变化。天心园将日本庭园深刻的象征主义，与新英格兰地区由岩石覆盖的海岸线和深林的感觉相结合，展现了两种文化的独特融合。

该展览位于170展厅，展期为2023年1月15日至2023年10月15日。普罗温斯敦长期以来被认为是艺术家的避难所，是一个充满活力的实验和创新的中心。展览取材于已故莱斯利和约翰娜·加菲尔德的收藏。该展览共展出13位艺术家的约50幅版画作品，向观众揭示并强调这些作品为美国版画与现代艺术史做出的重要贡献，并探讨了女性在20世纪上半叶发生在普罗旺斯顿的创意爆炸中发挥的主导作用。

该展览位于155展厅，展期为2023年7月1日至2024年2月18日。该展览展出了从公元前7世纪到现在的绘画、素描、陶瓷、贵金属和宝石等，展出的100多件物品从几厘米到两英尺多不等，其中包括古埃及的护身符、日本江户的象牙雕刻和木制根付（Netsuke，一种日本的微型雕刻工艺品），以及展现微缩日常用品的珠宝。展览探索了艺术家和工匠如何通过创作微型艺术品来挑战我们的对物品规模的感知。

该展览位于183展厅，展期为2023年1月13日至2023年11月3日。此次展览是艺术家吴俊勇（Wu Junyong）的画作在美国博物馆的首次亮相，展示了“英雄与他们的敌人殊死博斗”“迷人的动物们互相咆哮以宣示其优势”“不安的灵魂隐藏于幽暗的洞穴以找寻内心的平静”等主题画作。吴俊勇的作品巧妙地融合了多元历史传统与其自身的现代经验，用以表达超越时间与国界的人类情感、冲突和抱负。

该展览位于博物馆地下一层31展厅，展期为2023年3月26日至2023年7月16日。葛饰北斋是日本最富盛名的浮世绘画家，于14岁就开始学习雕版印刷，开启了漫长多产的绘画生涯。本次展览汇集了北斋的100多幅木版画、绘画和绘本，以及他的老师、学生、竞争者和崇拜者的200多幅作品，这些独特的并列组合展示了葛饰北斋对各个时代的、不同地域的艺术家的影响。

波士顿美术博物馆是世界馆藏品最全面的艺术博物馆之一，馆藏品数目达到近50万件，馆藏文物以印象派画作与来自亚洲的艺术品为特色。亚洲馆藏超过十万件，种类包括绘画、版画、雕塑、瓷器、金属器等，来自日本、中国、韩国、南亚、东南亚以及伊斯兰世界。并且，馆内藏有多幅莫奈画作，数量仅次于法国。

该藏品名称为《观音菩萨》，于中原地区金朝（12世纪早期）制成，类型为彩绘木制品（毛泡桐）及镀金，尺寸为141x88x88厘米，展览于274展厅。藏品来自山西稷山县，根据雕像后的记载，为稷山县的官员出资塑造。这尊观音像于1920年入藏波士顿美术博物馆，当时木像的外观为白色。1956年，波士顿当地电视台进馆拍摄节目时，在强光灯的照射下，人们发现白漆下还有其他颜色。修复人员剥去了最外六层装饰漆（几个世纪以来，信徒在上面施加了层层颜色），以最大程度保护木像观音的原色，才重现原有的金漆彩绘。因为1999年观音像最外面的颜色开始有小片的剥落，博物馆修复员推荐把观音像存入库房进行保护，这一放就放了16年。2015年，在一名虔诚的赞助者的支持下，观音像再度迎来修复。在长达十八个月的修复工程中，运用了紫外线成像、X射线照相、放射性碳测年和其他技术为木材进行断代，木材的砍伐年份在1033年与1155年之间。也确定了这尊观音像最初的肤色，雕像的金色是明代才施加上去的。2016年，历经十八个月的文物修复，又定制了可以保持恒温的特制玻璃框放置柜，这尊观音像才开始对外展出。

《历代帝王图》是一幅长卷绢本，设色，纵51.3厘米，横531厘米，创作者为阎立本（601-673年），唐朝凉州万年人。此图描绘了从西汉至隋朝十三个皇帝的形象。画家力图通过对各个帝王不同相貌表情的刻画，揭示出他们不同的内心世界、性格特征。画家用画笔评判历史，褒贬人物，扬善抑恶的态度十分鲜明。人物造型准确，用笔舒展，色彩凝重。展览于博物馆二楼的亚洲翼。

《北齐校书图》是一幅绢本，设色，纵29.3厘米，横122.7厘米，据考证此图为北齐杨子华创稿，唐代阎立本再稿。作品描绘了北齐天保七年（556年）高洋高洋命樊逊等十一人共同刊校国家收藏的五经诸史的情景。画卷上人物分为三组，第二组即居中一组是全卷的中心，也是最精彩的部分，描绘了士大夫四人坐榻上，或展卷沉思，或欲离席，或挽带留之，神情均极生动。榻旁围列女侍五人，或展书，或提酒壶，或拥衣囊，顾盼生姿。居右一组，一学者坐椅上奋笔疾书，侍从二人托纸砚，一人执书卷，身后女侍二人，最右端则有一少年侧立，捧经书阅读。居左一组，为奚官三人，马两匹，一灰一黑。画中人物，神态各异，整幅长卷用笔纤细，刻画精致。展览于博物馆二楼的亚洲翼。

《捣练图》是一幅绢本，设色，纵37厘米，横147厘米，此画传为宋徽宗所摹，原画作者为唐朝张萱。此图是一幅表现盛唐时期的风俗画。画面表现宫中仕女加工绢丝的场面。全图12个人物，共分三组：起首是捣丝，中间是理丝、缝合，最后是把绢拉直、熨平。画中人物有坐有站，有高有低，动作连贯，自然合理，富有节奏感。妇女形象均为服饰艳丽，丰颊硕体，线条匀细，体现了盛唐以后仕女人物画的典型风格。展览于博物馆二楼的亚洲翼。

《五色鹦鹉图》是一幅绢本，设色，纵53.3厘米，横125.1厘米，由北宋宋徽宗皇帝赵（1082-1135年）创作。这幅《五色鹦鹉图》是玛丽亚·安托瓦内特·埃文斯基金会（Maria Antoinette Evans Fund）1933从日本画商Kojiro Tomita处购买入藏波士顿美术馆的。图绘折枝杏花两枝，枝头栖五色鹦鹉一只，整个画面色彩协调，技巧纯熟，用笔细劲工致，设色浓丽，树枝的勾线很结实，用笔富有变化。展览于博物馆二楼的亚洲翼。

《干草垛》是克劳德·莫奈的一个系列作品，在吉维尼小镇，莫奈的居所西边有一块田地，收割下来的谷物被堆积成垛子，莫奈受此启发，在1890年夏季到次年春季创作了多幅作品，记录下不同时间、不同季节里瞬间万变的光线。展览于252展厅。

莫奈的《白杨木草地》，描绘了蓝天，白云，笼罩着一片田野，红紫白三色花朵绽放，青草绿树，前景中隐约是一个戴着帽子的人的景象。展览于252展厅。

这幅作品是莫奈完成的最后一幅以人物为题材的作品，画面中的女子身着华丽的和服，手执折扇，是莫奈的妻子卡米尔。这幅色彩绚丽的大师级作品，也是对当时巴黎流行的“日本风”的诙谐回应。展览于252展厅。

1826年，年近七旬的葛饰北斋以富士山不同角度的样貌为题材，创作了系列风景画《富岳三十六景》，在这些作品中，人不是画作的中心，山石的形态、人类的活动、世间万态纷纷成为富士山的衬托或前景。《富岳三十六景 神奈川冲浪里》透过前景中“神奈川县冲”的巨浪和起伏的船只，画面延伸向白雪皑皑的富士山，运送鲜鱼的船夫在画面中显得十分渺小。展览于LG31展厅。

《布吉瓦尔之舞》是一幅布面油画，由皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿于1883年创作，展览于255展厅。巴黎城外塞纳河上的露天咖啡馆，是城市居民以及印象派画家都喜爱的娱乐场所。雷诺阿作为一位以肖像画见长的画家，其特色是使用强烈的色彩和繁复的笔触，来强调这对跳舞的伴侣所传达出的愉悦感。戴着红色帽子的女人的面庞，成为了画中的焦点。

《邮差约瑟夫·鲁林》是一幅布面油画，由文森特·梵高于1888年创作，展览于255展厅。1888年2月，文森特·梵高离开巴黎来到法国南部的一个小镇阿尔勒。在那里，他结识了当地的一名邮递员约瑟夫·鲁林并成为了朋友。这幅画是梵高为鲁林画的六幅画中的第一幅。画作体现了梵高细腻的笔触——他突出了鲁林那双富有表现力的、勤劳的手和浓密的胡须。他用简略的垂直笔触勾画出人物，并在他的信中把画中人鲁林比作苏格拉底。文森特·梵高相信色彩的表现力，他将鲁林的蓝色邮政制服与黄色饰物的鲜艳对比表现在画作中。

《田野里犁地的农夫》是一幅布面油画，由文森特·梵高于1889年创作，展览于255展厅。1889年5月，梵高住进了圣雷米的收容院。他在那里画了一系列窗外的风景，这幅《田野里犁地的农夫》便是其中之一。艺术家8月30日写给弟弟提奥的信中，描述了与画面相似的场景：“……一片割了麦茬的黄色土地，有人在耕耘，他们在土地上犁出沟，将黄色的土地分割成条状，成了山坡的背景。”画中，远处的风车是文森特·梵高用想象补充进去的，也说明他是在几个月后凭着记忆画出了这幅画。

《普赛克》是一座大理石雕像，由法国奥古斯特·罗丹于1899年创作，展览于255展厅。普赛克是罗马的阿佛洛狄忒的儿子丘比特的爱人。罗丹在他们复杂的故事中暗示了一个亲密的时刻，雕像展现的正是普赛克偷偷瞥了一眼她熟睡的爱人的时刻。罗丹的大理石是由专业工匠雕刻的，但雕塑家监督他们的执行，并经常进行最后的润色。

《爱德华·达利·博伊特的女儿们》是一幅布面油画，由约翰·萨金特于1882年创作，展览于232展厅。《爱德华·达利·博伊特的女儿》是萨金特在19世纪70年代末和1880年代初在法国首都为美国侨民社区成员绘制的一系列肖像画之一。这幅画既是肖像画，又是室内场景画。每个女孩都是单独呈现的，但有两个女孩的外貌特征被阴影遮住了，这是一种与传统肖像画相反的属性。再加上女孩之间缺乏联系，因而当这幅画首次展出时，评论家们感到很困惑。这种不寻常的形式受到了过去和现在的艺术的启发，这是萨金特用来创作看起来既传统又现代的画作的一种特色方法。这幅画的历史先例可以在17世纪西班牙大师委拉斯开兹的作品中找到——他备受19世纪法国的人们欣赏。

波士顿美术博物馆基于馆内陈列展览及展品共出版了154本书籍。

本书通过探索由女性创作、为女性创作或关于女性的作品，旨在从她们经常被忽视的角度重新思考一段时期的创造性独创性和艺术卓越性。

本书对17世纪的荷兰艺术进行了全新的审视，并附有权威文章，使读者考虑创作这幅作品的全球背景。

本书从其他艺术家的角度看待葛饰北斋，他们将从他那里学到的经验教训融入到自己的作品中，包括北斋自己的学生、他的当代竞争对手，以及他去世后在日本和世界各地的各种媒体中工作的众多仰慕者。

本书讲述了四大文明古国肖像的创作者如何努力平衡现实主义和象征主义、人性和神性、传统和主题的特殊愿望的故事。

南亚的艺术来自一个广阔的地理区域，包括印度及其周边国家，跨越了四千多年和多种文化传统。这本书介绍了波士顿美术博物馆收藏的亮点，包括富有表现力的青铜和石头人物、令人眼花缭乱的复杂微型绘画、豪华纺织品和精美的金属制品。这些作品按主题排列，以反映和挑战艺术与工艺、神圣与世俗、印度教与穆斯林、真实与理想、男性与女性、本地与外国的二元性，揭示了南亚艺术和文化的丰富性、辉煌性和深度。

这本书再现了馆藏的莫奈的三十五幅油画，简要介绍了莫奈一生在波士顿的赞誉，画作的条目概述了他的生活和工作。

本书阐明了非洲艺术的不同社会和时期，并介绍了广泛的非洲艺术领域的传统。

《中国艺术》呈现的作品从新石器时代的墓葬文物到当代绘画，包括精美的瓷器、绘画、雕塑、漆器和为礼拜、宫廷生活、对外贸易或日常使用而创作的金属制品。反映了与中国以外的早期传统或文化的接触，包括中亚和印度以及欧洲和美国的文化。

波士顿美术博物馆图书馆包括威廉·莫里斯·亨特纪念图书馆、八个策展部门图书馆和荷兰艺术图书馆中心。图书馆藏品总数超过476303件，包括60000份拍卖目录和超过150000种连续出版物。图书馆的收藏反映了博物馆百科全书式收藏的实力，并支持博物馆永久收藏、特别展览和一般艺术史的研究。

波士顿美术博物馆档案馆成立于1987年，包含自1870年博物馆成立以来博物馆行政和策展部门的历史重要记录。

波士顿美术博物设有保护和收藏管理部门，该部门的成员通过开发保护处理，材料和技术研究以及学术研究来进行文物保护工作，不仅可以加深学术理解，也有助于公众欣赏这些藏品。该部门包括六个保护学科、一个分析设施和一个负责安全展览、储存和运输的收藏管理部门，促进其所保管的艺术品的长期保存。遵循国际公认的标准，以保持艺术品的美学和物理完整性。

博物馆内还设有文物保护中心，面积为22000平方英尺，包含六个实验室，拥有先进的技术，增加了跨学科合作和培训的机会，并建立了罗伯特和卡罗尔亨德森保护学习中心，游客可以在这里通过与艺术作品的接触了解更多关于博物馆收藏的护理。

博物馆的特色保护项目有：西藏自治区二十一度母绘画，在棉花上重新安装十六世纪的喜马拉雅绘画；日本佛教雕塑，保护九至十二世纪的七座彩色木制雕塑；犹太剪纸，处理十九世纪剪纸作品；梅罗埃的奥洛伊，保存来自苏丹北部的一组古代乐器等。

波士顿美术博物馆设有“儿童工作室艺术班”“青少年工作室艺术课程”“成人工作室艺术课程”等针对不同人群的课程。

对于儿童和家庭，博物馆为他们提供了工作室艺术课程和研讨会，由经验丰富的教育工作者教授，他们也是专业艺术家，在活动中邀请学生在创造和与艺术互动时提出问题、探索、实验和解决问题。博物馆还专门为6-18岁的孩子设计了家庭学校课程，在每年的6月到9月的周五上午上课。

通过参与“青少年工作室艺术课程”，参与者可以作为访客助理和项目助理为博物馆参观者提供帮助，并通过工作室艺术课程和研讨会探索创造力，享受和参与博物馆的全球收藏。课程周期为12个月，可以与艺术家、社区领袖和创新者一起举办研讨会，感受博物馆幕后体验。博物馆设有青少年艺术委员会，为参与者提供学习艺术、文化和历史的机会；培养工作场所和团队建设技能；并了解一系列专业选择和职业道路。

波士顿美术博物馆开展“艺术冒险计划”，活动为幼儿期、放学后、非传统学校环境、特殊需求计划和夏令营的儿童群体定制介绍博物馆及其馆藏。每个项目持续一个半小时，包括参观和艺术创作活动。

波士顿美术博物馆开展了多项社会教育活动，比如：“一代又一代的女强人”“在外交部的收藏中寻找女性的故事”“家庭生活的艺术”等讲座。

波士顿美术博物馆以馆藏文物为主题，推出众多文创产品，有家居装饰、饰品、文具、玩具等类型。